▼

Senin, 17 Agustus 2020

Kritik Terhadap Modus Formalisme dalam Seni

Nasbahry Couto

Seperti yang diketahui estetika formalisme umumnya semata tertuju kepada kualitas seni dan melepaskan diri dari kaitannya seperti unsur makna seni, tradisi atau budaya. Modus ini berasumsi pentingnya konfigurasi karya seni, yaitu pengamatan terhadap mutu karya seni yang terkait kekompakan berbagai unsurnya ke dalam suatu kesatuan organis (Osborne, 1955). Dan berasumsi bahwa mutu karya seni seperti ini mampu mendukung penilaian seni dengan standar yang objektif, karena susunan “organik” seni adalah nyata dan tidak ditanggapi secara emosional dan penilaian seni bisa menjadi lebih objektif.

 Lihat Tulisan yang berkaitan:


Asumsi ini juga merupakan dasar konsep bagi faham “formalisme”  (Bell, 1958; Fry, 1956). Namun, banyak ahli yang kurang sependapat dengan cara berpikir ini, karena “formalisme” sebagai   alat penilaian hanya dianggap pantas  dipakai saat mengkaji karya seni modern. Alasannya, berbagai struktur formal seni, sama sekali belum terpikirkan oleh seniman sebelum abad ke-sembilanbelas. Dan tidak cocok dipakai  untuk menilai karya seni tradisi apalagi untuk folk art yang munculnya memang bukan dari pemikiran formalisme, keseimbangan komposisi, keenakan untuk dilihat dan bukanlah tujuan seni folk karena mereka justru sering muncul demi kepentingan ritus, mitos, bahkan magi,  serta fungsi praktisnya.

Menurut Hough, Joni (2009) selama beberapa dekade terakhir, formalisme telah memainkan peran sentral di sebagian besar ruang kelas seni sekolah umum di Amerika (K-12) [1].
Menurut penulis formalisme juga berpengaruh di Eropah dan Indonesia, hal ini kelihatan dari pelajaran komposisi (desain), rupa dasar, atau dasar desain yang dipelajari bidang seni dan desain untuk memahami keindahan semua seni. Dalam melukis misalnya diperlukan untuk menganalisa karya itu berdasarkan ilmu komposisi atau desain dasar (7+7) (lihat box di bawah)


Formalisme: “The 7 Principles of Art and Design”

 Oleh: Marder, R (2018)

Elemen dan prinsip seni dan desain adalah dasar dari bahasa yang kita gunakan untuk berbicara tentang seni. Elemen - elemen seni adalah alat visual yang digunakan seniman untuk membuat komposisi. Ini adalah garis, bentuk, warna, value/nilai, bentuk, tekstur, dan ruang.
Prinsip - prinsip seni mewakili bagaimana seniman menggunakan unsur-unsur seni untuk menciptakan efek dan membantu menyampaikan maksud seniman. Prinsip-prinsip seni dan desain adalah keseimbangan, kontras, penekanan, gerakan, pola, ritme, dan kesatuan / variasi. Penggunaan prinsip-prinsip ini dapat membantu menentukan apakah sebuah lukisan berhasil, dan apakah lukisan itu selesai atau tidak. 
Seniman memutuskan prinsip-prinsip seni apa yang ingin ia gunakan dalam sebuah lukisan. Sementara seorang seniman mungkin tidak menggunakan semua prinsip desain dalam satu potong, prinsip-prinsip itu saling terkait dan penggunaan yang satu sering tergantung pada yang lain. Misalnya, saat membuat penekanan, artis mungkin juga menggunakan kontras atau sebaliknya. Secara umum disepakati bahwa lukisan yang sukses dipersatukan, sementara juga memiliki beberapa variasi yang diciptakan oleh bidang  kontras  dan  peneka nan (aksentuasi);  seimbang secara visual ;  dan menggerakkan   mata  pengamat  di sekitar komposisi. Dengan demikian, satu prinsip seni dapat mempengaruhi efek dan dampak prinsip lainnya. 
Sumber: https://www.thoughtco.com

7 Prinsip Seni ( Prinsip Organisasi Elemen Seni)

  • Keseimbangan mengacu pada bobot visual unsur-unsur komposisi. Ini adalah perasaan bahwa lukisan itu terasa stabil dan "terasa benar." Ketidakseimbangan menyebabkan perasaan tidak nyaman pada pengamat. Balance/ Keseimbangan dapat dicapai dalam 3 cara berbeda: 
  • Simetri, di mana kedua sisi komposisi memiliki elemen yang sama di posisi yang sama, seperti pada gambar cermin, atau dua sisi wajah.
  • Asimetri, di mana komposisi seimbang karena kontras dari setiap unsur seni. Misalnya, lingkaran besar di satu sisi komposisi mungkin diseimbangkan dengan kotak kecil di sisi lain
  • Simetri radial, di mana elemen berjarak sama rata di sekitar titik pusat, seperti pada ruji yang keluar dari hub ban sepeda.
  • Kontras adalah perbedaan antara unsur-unsur seni dalam suatu komposisi, sehingga masing-masing unsur dibuat lebih kuat dalam kaitannya dengan yang lain. Ketika ditempatkan di samping satu sama lain, elemen-elemen yang kontras memerintahkan perhatian  pengamat. Area kontras adalah di antara tempat pertama yang menarik perhatian  pengamat. Kontras dapat dicapai dengan menyandingkan setiap elemen seni. Ruang negatif/ positif adalah contoh kontras. Warna komplementer yang ditempatkan berdampingan adalah contoh kontras. Notan adalah contoh kontras. 
  • Penekanan  (Emphasis) adalah ketika seniman menciptakan area komposisi yang dominan secara visual dan menarik perhatian penonton. Ini sering dicapai dengan kontras.
  • Movement (Gerakan) adalah hasil dari menggunakan unsur-unsur seni sedemikian rupa sehingga mereka menggerakkan mata  pengamat  di sekitar dan di dalam gambar. Perasaan bergerak dapat diciptakan oleh garis-garis diagonal atau melengkung, baik nyata atau tersirat, oleh tepi, oleh ilusi ruang, oleh pengulangan, dengan pembuatan tanda yang energik. 
  • Pattern (Pola)  adalah pengulangan seragam dari setiap elemen seni atau kombinasi dari semuanya. Apa pun bisa diubah menjadi pola melalui pengulangan. Beberapa pola klasik adalah spiral, grid, tenun. 
  • Ritme/ Irama   diciptakan oleh gerakan yang tersirat melalui pengulangan unsur-unsur seni dengan cara yang tidak seragam tetapi terorganisir. Ini terkait dengan irama musik. Tidak seperti pola, yang menuntut konsistensi, ritme bergantung pada variasi.
  • Kesatuan / Variasi  Anda ingin lukisan Anda terasa bersatu sehingga semua elemen cocok bersama dengan nyaman. Terlalu banyak kesatuan menciptakan monoton, terlalu banyak variasi menciptakan kekacauan. Anda membutuhkan keduanya. Idealnya, Anda ingin bidang yang diminati dalam komposisi Anda bersama dengan tempat-tempat untuk mata Anda beristirahat. 

Feldman (1992) yang terkenal dengan bukunya “Arts as Image and Idea” (1976) itu dan buku ini banyak dirujuk oleh pendidikan seni sedunia. Kemudian dalam artikelnya, Formalism and Discontent (“Formalisme dan Ketidak puasannya”) [[2]]  menjelaskan perihal kekurangan dan kebaikan formalisme sebagai berikut ini.

Tidak ada keraguan bahwa formalisme memiliki pengaruh besar pada pengajaran seni, di sekolah-sekolah, dan juga di departemen seni kampus dan universitas. Memang, banyak guru seni formalis tanpa menyadari fakta, tanda pasti bahwa doktrin formalis telah berasimilasi dengan budaya kritis, estetika, dan pedagogis kita. Sejarah formalisme modern – sejak dari Clive Bell (1913) dan Roger Fry (1920) hingga Albert Barnes (1928) dan Clement Greenberg (1966) - sudah dikenal luas, jadi tidak perlu diulas di sini. Yang perlu kita ketahui adalah mengapa formalisme sangat menarik bagi guru seni, apakah pengaruhnya berbahaya atau tidak, dan apakah pantas untuk dilestarikan, dimodifikasi, atau dibuang dari pedagogi seni.. ...............
Adalah doktrin bahwa fokus utama perhatian estetika dan makna kritis adalah, atau seharusnya, organisasi dan penyajian elemen-elemen visual karya seni: garis, bentuk, warna, tekstur, massa, ruang, volume, dan pola (Nochlin, 1974). 

Dengan demikian, estetika menjadi ilmu yang membedakan bagaimana bentuk dan hubungan formal memperoleh kekuatan ekspresif, bagaimana mereka menghasilkan emosi dan menandakan makna, dan mengapa mereka secara simbolis kuat. Dengan demikian, sejarah seni adalah sejarah evolusi hubungan formal dan keputusan terkait seni yang telah menyebabkan mereka berubah dari waktu ke waktu. Dengan demikian, pengajaran seni terdiri dari mengajar siswa untuk membuat bentuk, memahami keputusan yang menghasilkan hubungan formal, membedakan pilihan formal dalam seni orang lain, dan menerapkan pelajaran bentuk dalam ekspresi artistik mereka sendiri.[3]

1. Perihal yang Menarik dari Formalisme

Feldman akhirnya bertanya, kenapa begitu banyak guru seni membatasi instruksi pada identifikasi elemen visual dan hubungan formal mereka? Jawaban yang jelas dan barangkali terlalu sederhana adalah bahwa elemen visualnya sangat mudah diajarkan. Siswa dapat diajar melihat elemen visual dan prinsip-prinsip organisasi mereka seolah-olah mereka semacam "tabel periodik" seni; siswa dapat diberi tugas dan latihan di mana elemen visual dapat digunakan baik secara tunggal atau dalam kombinasi elemennya (komposisi); dan siswa dapat belajar dan mengenal seni orang lain dan para master dengan memakai  elemen visual.

2. Beberapa keuntungan Memakai Formalisme

Feldman berpendapat bahwa pemakaian formalis dalam pendidikan seni akan memperoleh beberapa keuntungan.

  1. Yang pertama adalah sebuah keuntungan "ilmiah": sebab guru akan memulai pengajaran dengan konstituen seni visual yang tidak dapat direduksi secara optik.
  2. Kedua adalah keuntungan linguistik: kita mengenali seni sebagai bahasa yang mandiri, suatu mode komunikasi dan ekspresi yang otonom yang tidak bergantung pada keberadaan kata sebelumnya. Seperti yang dikatakan Berger (1972), "Melihat sebelum kata-kata. Anak itu melihat dan mengenali sebelum dapat berbicara"
  3. Ketiga adalah keuntungan perkembangan-kurikuler: instruksi bergerak dari mudah ke sulit, sederhana ke kompleks, dan permukaan ke kedalaman – sebuah urutan dimana sang guru berusaha untuk menghormati ketentuan ini.
  4. Keempat adalah keuntungan kehormatan akademik melalui pengajaran tata bahasa visual dan sintaksis: formalisme mempromosikan pembelajaran dalam seni dengan cara yang sama seperti kita belajar membaca dan menulis.
  5. Fleksibilitas adalah keuntungan kelima: doktrin formalis memiliki relevansi baik dengan membuat seni sendiri maupun melihat seni orang lain. Untuk guru seni, ini menciptakan efek yang saling menguatkan: tugas kelas dipandu oleh prinsip formalis memajukan mode kewaspadaan estetika yang mempromosikan upaya yang secara alami mengkonfirmasi kebenaran estetika formalis.
  6. Keuntungan penerapan universal: doktrin formalis memberikan --bahkan pemirsa yang canggih sekalipun-- akses ke seni setiap saat atau tempat atau orang dengan asumsi bahwa elemen formal merupakan "denominator umum yang terendah" seni terlepas dari bahan, teknik, gaya, simbolisme, tujuan sosial, maksud artistik, dan konteks budaya atau sejarah.

Tampaknya, dari sumbangan  keuntungan yang disebutkan di atas, formalisme memiliki banyak hal untuk direkomendasikan, setidaknya untuk kelayakan pedagogis, otonomi disiplin, kompatibilitas dengan model pembelajaran yang mapan, dan tujuan penting untuk mendapatkan akses ke seni yang diciptakan dalam masyarakat selain masyarakat sendiri.

Namun demikian bukannya tanpa kritik, sebab formalisme secara luas juga dikritik mungkin karena keberhasilannya dan penerapannya yang luas dalam pendidikan seni - telah menghasilkan tekanan balik, akhirnya muncul juga keberatan terhadap praktik dan teori formalis sebagai berikut ini.

3. Keberatan terhadap Formalisme (Kritik dari Ahli Sejarah)

Set pertama keberatan terhadap formalisme berasal dari sejarawan seni (Preziosi, 1989). Dalam asal-usulnya, setidaknya, seni tampaknya tidak terutama berkaitan dengan masalah bentuk seperti yang dikemukakan oleh (Read, Herbert, 1965): Yaitu seni sebagai bentuk-bentuk yang menyenangkan. Sebabnya adalah dalam tradisi seni yang utama di dunia ini dunia, motif untuk menciptakan dan melihat seni jarang formalis. Bentuk dalam seni hampir selalu menjadi pelayan bagi tujuan magis, religius, moralistik, naratif, dan / atau politik. Bagi para sejarawan seni, penolakan terhadap formalis adalah dengan memperhatikan dengan serius tujuan-tujuan ini dan hal ini merupakan pelanggaran berat.

Pelanggaran Terhadap Gaya seni. Pelanggaran formalis yang lain adalah terletak pada perhatiannya terhadap evolusi gaya seni sebagai proses yang terjadi dalam seni. Sejarah seni seakan keluar dari akar kesejarahannya. Kebenaran parsial di sini adalah bahwa seni memang dapat dihasilkan secara praktis melalui formalis. Namun, cendrung mengabaikan faktor sosial, ekonomi, dan agama juga menghasilkan seni, apalagi oleh  sejarawan seni sering selalu berkomitmen untuk mempelajari konteks non-art, sesuatu yang cenderung diabaikan oleh penganut formalis.

Pelanggaran terhadap Seni Abstrak (anti ikonik). Keberatan ketiga tumbuh dari preferensi formalis untuk seni abstrak dan seni-seni non-obyektif yang tidak ternoda oleh gambar orang, tempat, atau benda yang dapat dikenali. Dengan kata lain, formalisme adalah anti-ikonik, atau ikonofobia, (menggunakan istilah Kenneth Clark ,1981). Akibat memakai formalis akhirnya tidak adanya gambar yang dapat dikenali lagi, khususnya dalam seni modernis, karena formalis berkonsentrasi pada hubungan formal saja dan melihatnya sebagai hal yang sangat penting secara estetika.

Keluar dari Sejarah. Sejarawan seni cukup yakin bahwa identifikasi hubungan formal itu merugikan karena tidak menjelaskan secara memadai hal-hal penting seperti patronase, perkembangan kronologis, pengaruh geografis, ikonografi, atau motivasi politik dan agama. Jadi untuk mengatasi kekurangan ini perlu ditambahkan studi biografi seniman atau studi psikologi kreativitas seniman, yang keduanya terus menjadi alat utama beasiswa sejarah seni (Kleinbauer, 1971). Formalisme, tampaknya, membuat praktik sejarah seni tidak relevan. Singkatnya, sejarawan seni memiliki keberatan terhadap formalisme dengan alasan itu hampir sepenuhnya ahistoris, tanpa perasaan akan pengaruh institusi dan tradisi dalam penciptaan dan pemahaman seni.  Formalis mempelajari karya seni seolah-olah mereka ada di luar ruang dan waktu, yang mungkin merupakan ide yang menyenangkan, tetapi sulit untuk ditangani secara pedagogika. (dalam pendidikan seni)

    Dalam hubungan ini, Gotshalk (1947) mengatakan,
    "Selain ruang dan waktu, kausalitas dan teleologi hadir dalam karya seni" (p. 109). Selain itu, atribusi yang tersirat dari keabadian pada karya seni memberikan aroma metafisik yang tidak sesuai dengan studi ilmiah yang serius tentang manusia. budaya manusia (Osborne & Saw, 1968). [[4]] 

    4. Keberatan terhadap Formalisme (Kritik dari ahli Estetika)

    Set kedua keberatan datang dari ahli estetika. Yang pasti, bentuk-bentuk visual adalah hal-hal yang dibuat oleh para seniman, tetapi pemisahan bentuk dari pernyataan maknanya melanggar perasaan kita tentang apa yang terjadi ketika kita melihat seni (Lipman,1967). Dengan kata lain, doktrin bahwa bentuk-bentuk seni hanya menunjukkan diri mereka bertentangan dengan aktivitas alami pikiran kita. [5]
    1. Selain itu, pemisahan bentuk dari konten hampir tidak mungkin, meskipun beberapa pendidik seni berusaha keras untuk mendorong pemisahan itu di benak siswa mereka.
    2. Keberatan estetika lainnya adalah bahwa hubungan formal yang dianggap untuk kepentingan mereka sendiri cenderung membosankan. Yaitu, jika seni formalis tidak lain adalah seni, formalis estetika tidak lain adalah melihat, yang mengatakan, mengabaikan siapa, apa, dan mengapa kita melihat. Frank Stella (1967) mengatakan, "Lukisan saya didasarkan pada kenyataan bahwa hanya apa yang dapat dilihat di sana. Itu benar-benar objek" (hlm. 86). Namun, penindasan kepentingan manusiawi dan keprihatinan kita dalam tindakan persepsi estetika tampaknya tidak menjadi tujuan dan keinginan pendidikan seni.
    3. Akhirnya, evaluasi hubungan formal dalam seni tidak dapat dilakukan kecuali dengan alasan nonformal, yaitu, alasan sosial, moral, dan ideologis yang diremehkan formalis. Seseorang dapat mengenali dilema guru: bagaimana dia dapat mengevaluasi karya seni siswa kecuali atas dasar subjektivitas murni atau preferensi yang sederhana. Meskipun mungkin ada sejumlah subjektivitas dalam semua evaluasi, kriteria formalis untuk sukses - bahkan jika mereka dapat dibuat secara eksplisit - tampaknya sangat rentan terhadap tuduhan kesewenang-wenangan.
    Menurut Felman, sepertiga keberatan adalah dari aspek sosial dan politik. Dari kacamata sosial dan politik yang menuduh bahwa seni formalis adalah elitis dan bahwa instruksi seni formalis merendahkan kelas pekerja dan / atau nilai dan aspirasi kerakyatan.

    Tuduhan itu sebagian besar adalah benar, karena seni terlepas dari implikasi ideologisnya (Feldman, 1989). Lagi pula, Roger Fry (1935) mengatakan:
    "Secara proporsional ketika seni menjadi lebih murni, jumlah orang yang tertarik akhirnya semakin berkurang. ... Itu hanya menarik pada kepekaan estetika, dan bahwa dalam kebanyakan pria relatif lemah" (hlm. 181).
    Menurut Feldman, Fry mungkin benar tentang daya tarik populer — atau adanya ketidaksukaan thd. — seni formal, tetapi apa kesimpulan pedagogis yang harus kita tarik dari dari hal ini? Haruskah massa diajarkan untuk menyesuaikan selera mereka ke titik di mana itu sesuai dengan selera atasan mereka? Memang, itu akan tampak sebagai salah satu tujuan dari instruksi seni formalis: untuk mengajar orang bahwa perasaan spontan dan minat alami mereka memiliki sedikit atau tidak ada validitas estetikanya.

    Felman menambahkan bahwa tujuan lain dari estetika formalis adalah untuk memungkinkan orang mengalami "emisi estetika" (pancaran estetika) yang berasal (mereka klaim) dari persepsi hubungan formal yang dihasilkan dari penindasan tanggapan manusia sehari-hari terhadap citra visual (Ortega y Gasset, 1956). John Dewey (1934), meskipun dalam hal ini  Dr. Albert Barnes, akan tidak setuju dengan pendapat ini. Dalam analisisnya tentang persepsi estetika, ia berpendapat secara persuasif bahwa pengalaman bentuk tidak dapat dipisahkan dari pengalaman hidup.
    Bagi pendidik seni, aspek pembelajarannya menjadi  jelas: bahwa pendidikan estetika tidak akan memiliki masa depan jika harus dibangun di atas penolakan radikal terhadap pengalaman "kebanyakan manusia". Di sisi lain, tidak masuk akal secara edukasi untuk merayakan kepopuleran formalis hanya karena dia itu populer.

    Menurut Felman, penting juga mengetahui bahwa fungsi guru seni bukan hanya untuk menyetujui apa yang di buat siswa, tidak juga untuk meratifikasi selera dan preferensi siswa yang ada dalam seni. Sebab pada masa kini, tujuan mengajar kepada siswa untuk menyukai formalis ( seni "murni) itu " akan baik-baik saja jika kita benar-benar yakin ada perbedaan yang kuat antara seni "murni" dan "tidak murni".

    Namun, perbedaannya sangat jelas. Bagaimana kita mengklasifikasikan seni rakyat, seni primitif, seni komersial, seni industri, dan apa yang disebut seni praktis dan kerajinan? Jenis-jenis seni "terbuang" ini mendukung nilai-nilai estetika dengan alasan yang tidak dibatasi oleh  kualitas formalnya? Komentar penyulis adalah berikut ini.
    Akhirnya, menjadi jelas bahwa kaum formalis telah mendapatkan diri mereka terkurung di dalam sebuah kotak. Hal itu bisa terjadi dan akan jadi masalah kecil jika doktrin estetika mereka tidak begitu populer di kalangan guru seni. Menurut Felman, formalisme itu berbahaya, bagaimanapun, karena itu membuat siswa merasa bodoh atau ketika tidak peka dan acuh terhadap konteks seni. Formalis itu jaya dalam pendidikan karena mereka hanya tahu sepotong kebenaran - bahwa tidak ada seni tanpa bentuk - tetapi itu sepotong kebenaran, yang salah pakai dan akan  berubah menjadi pelecehan pedagogis.

    5. Pentingnya Modus Formalisme dalam Pendidikan

    Feldman berpendapat bahwa formalisme efektif dan penting sejauh itu dapat mendorong siswa untuk memperhatikan "fakta" bentuk. Tetapi formalisme itu kontraproduktif sejauh hal itu meyakinkan siswa bahwa seni selalu dan hanya masalah menemukan tatanan geometri abstrak yang tersembunyi di setiap gambar. Tatanan seperti itu mungkin dibumbui oleh variasi regional, trik teknis, sedikit warna etnis, dan beberapa perkembangan pribadi, tetapi tatanan mendasar itulah yang ingin dilihat dan dihargai oleh para formalis. Agaknya, sisanya insidental jika tidak berlebihan. "Selebihnya," adalah seni.

    Dengan adanya keberatan teoretis dan praktis terhadap formalisme, apa yang harus dilakukan guru seni? Akal sehat menasihati untuk tidak membuang sesuatu yang berguna seluruhnya, justru sebaliknya harus disempurnakan. Bagaimana kita bisa membersihkan tindakan formalis? Beberapa hal yang penting dilakukan menurut Feldman adalah berikut ini.
    1. Seni tidak harus dilihat hanya analisa bentuk saja tetapi juga bentuk dengan makna (isi) Atau sebaliknya tidak ada konten seni tanpa bentuk. Tidak bisa mengatakan karya seni bahwa bentuknya bagus sedangkan artinya buruk. Dari mana "keburukan" itu datang? Itu harus tersirat dalam bentuknya.
    2. Elemen formal tidak boleh diajarkan sebagai generalisasi abstrak. Instruksi harus memungkinkan siswa untuk menemukan contoh garis, bentuk, warna, tekstur, dll. Khusus dalam gambar nyata, baik dari alam atau seni. Prinsip-prinsip organisasi atau komposisi formal (kesatuan, keseimbangan, ritme) harus diajarkan sehubungan dengan karya seni nyata. Diagram dan overlay mungkin berguna, tetapi mereka adalah alat bantu pedagogis, bukan objek perhatian estetika.
    3. Harus dilihat Peran konteks visual dalam menentukan makna dari setiap intisari bentuk yang penting dan harus dipelajari sejak dini; pentingnya warna atau bentuk sangat tergantung pada warna dan bentuk tetangganya. Dalam kritik seni (pembahasan seni), seseorang harus bergerak dari konteks visual ke konteks sosial, agama, atau ekonomi, bukan sebaliknya. Jangan pernah membiarkan pemeriksaan sebuah karya seni berakhir hanya dengan deskripsi hubungan formalnya.
    4. Menurut Feldman, jangan mencoba membuat penjelasan sosial, agama, atau politik dari suatu karya seni tanpa analisis formal sebelumnya. Bentuk-bentuk visual adalah nyata perseptual, dan itu adalah analisis formal yang membuat kita jujur ​​ketika mencoba interpretasi kritis. Bahwa hubungan formal memiliki signifikansi nonformal; murid harus diajari menerjemahkan hubungan formal yang mereka lihat ke makna nonformal yang mereka pahami.
    5. Implementasi kurikulum seni multikultural memerlukan instruksi formalis sejak awal, kalau tidak kita harus belajar kosa kata berbagai bahasa di dunia ini untuk menjelaskannya bentuk-bentuk.
    6. Perlu diketahui bahwa bentuk menginformasikan apa yang diketahui oleh seorang seniman dan siswa apa yang dapat diketahui dengan melihat. Karenanya, persepsi formal harus menjadi awal dari proses penyelidikan.Tentu saja, jika mereka berhasil mengajar seni, mereka sudah tahu itu. Jangan mencoba penjelasan sosial, agama, atau politik dari suatu karya seni tanpa analisis formal sebelumnya. Bentuk-bentuk visual adalah nyata perseptual, dan itu adalah analisis formal yang membuat kita jujur ​​ketika datang ke interpretasi kritis. Bahwa hubungan formal memiliki signifikansi nonformal; murid harus diajari menerjemahkan hubungan formal yang mereka lihat ke makna nonformal yang mereka pahami.
    7. Implementasi kurikulum seni yang sifatnya multikultural memerlukan instruksi formalis sejak awal, kalau tidak kita harus belajar berbagai bahasa untuk menjelaskan soal bentuk saja. Jadi formalisme yang resmi itu perlu dan tidak perlu ditinggalkan untuk membahas seni.
    Yang terakhir ini dapat dipahami, dan akan terlihat dari berbagai istilah yang dipakai masyarakat enik tentang bentuk sesuatu seni.

    Lihat Tulisan yang berkaitan:

    [1]  K-12 adalah istilah yang dipakai di Amerika dari Kelas 1 SD sd kelas 3 SMA (12 kelas} sebutan yang sama di indonesia, misalnya SMP adalah kelas 7,8 dan 9 (K7-9)
    [2] https://www.tandfonline.com/doi/abs/10.1080/00393541.1992.11651866, diakses tanggal 20 Januari 2020
    [3] Ibid. https://www.tandfonline.com
    [4] Ibid. https://www.tandfonline.com
    [5] Ibid. https://www.tandfonline.com

    Tidak ada komentar:

    Posting Komentar

    Silahkan tinggalkan komentar Anda, jika ingin menggunakan emotion, silahkan klik emotionnya, dan kopy paste kodenya dalam kotak komentar